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凝固舞动的精彩瞬间 舞台摄影拍摄技巧
作者：王宁
责编：文子林
　　随着数字的不断普及，喜欢，从事摄影的人也越来越多了，摄影专业领域的细分也越来越精确，们都开始有了各自不同的拍摄题材或领域。
　　由于演出的不断增多，舞台摄影，是近几年开始兴起的一个新的摄影门类，在各个演出现场也有越来越多的摄影师或影友加入到舞台摄影中来。 焦距: 200mm  光圈:f/2.8  ISO:; 曝光时间:1/400s 　　在国内，最初一般舞台摄影师，都是在各个演出院团的专职摄影师，我最初是中央芭蕾舞团的在职摄影师，现在是中国国家大剧院官方摄影师，另外也有一些各大新闻机构的摄影师。近些年来，特别是国家大剧院的建立和对剧场摄影的严格限制和要求，更加规范了国内的舞台摄影。 焦距: 170mm  光圈:f/2.8  ISO:; 曝光时间:1/400s 　　首先，对于一个舞台摄影师，第一重要的是摄影师的自律，在很多正式演出中，如果是一个真正专业的舞台摄影师的话，必须做到不能影响观众的观赏和演出的正常进行。在演出中，如果一旦位置选定的话，演出开始后，是不能随意变换位置的。 焦距: 220mm  光圈:f/2.8  ISO:400  曝光时间:1/250s 　　第二，摄影师在拍摄时应尽量避免发出声响或噪音，不能影响周边观众欣赏演出。在国家大剧院，所有大剧院聘用摄影师都是被要求必须使用消音罩的。由于近两年佳能EOS 5D3等型号相机具备了静音快门，静音效果在单反里比较明显，大剧院使用佳能拍摄的官方摄影师，几乎都换用了5D3。另外，我印象中，好像北京各个院团的专职舞台摄影师也大都换用了EOS 5D3，我则选择了换用EOS 6D，我个人认为好像EOS 6D的快门声音比EOS 5D3更小，还有6D的中央对焦点在暗处对焦更加灵敏，但对焦点没有5D3多。 焦距: 143mm  光圈:f/4.5  ISO:800  曝光时间:1/250s 　　第三，舞台摄影中是绝对禁止使用闪光灯和对焦辅助灯的。在大剧院，甚至回看照片都是被严格限制和禁止的，连相机机身上由于存储照片发出的提示灯都被要求用黑胶布贴起来。 　　上面这张照片拍摄的比较意外，是在演出全部结束后，演员的谢幕，当时我一直坚持到最后，并且相机没有收起来，在花瓣撒下来的一瞬间，举起相机拍到了这张照片。 焦距: 85mm  光圈:f/1.2  ISO:800  曝光时间:1/500s 　　第四，在国际上，很多职业舞台摄影师，在剧场拍摄中，还会尽量穿深色的衣服，让自己融入观众之中。 　　上面这张照片是2002年我第一次拍摄舞蹈的作品，使用的相机是EOS D60，在当时是新型号的相机，镜头是200 F1.8，正是这组照片让我开始感受到了舞蹈的魅力，开始尝试拍摄舞蹈作品。 焦距: 240mm  光圈:f/2.8  ISO:; 曝光时间:1/320s 　　这几条要求是国际上对于舞台摄影师最基本职业素养的要求，也就是说，舞台演出时，剧场并不是摄影师自由创作的天地，舞台摄影师是在无数的苛刻束缚中完成对舞台的拍摄创作的。要想真正做一个称职的专业剧场舞台摄影师，这是必须要遵守的职业标准。
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如何拍摄舞台剧照？
过去很多年里，我每天都守在剧场看演员们排练、演出。拍拍拍、修修修、发发发，是我每天都乐此不疲的事。其中大量图片被用作校方、剧组、剧院的官方宣传图，或收录在中国舞美协会资料库里。那时手里只有一台现已鲜为人知的尼康 D40X，以及我最爱用的 35-1.8 定焦头。在器材上，可以说是毫无优势，甚至是劣势，IOS 到 800 画质就很渣了。但我认为，我在剧照拍摄上最大的优势是，在剧组里我是舞台监督，或者制作人，也就是说，我比演员还要更早看到剧本，比一般的舞台剧照摄影师更了解戏剧情节、以及舞台上的设计细节。换句话说，我更了解作品本身想要表达的情绪，以及最佳视觉、最佳光线的拍摄时机。作为这样一个比较特殊的角色，以下，是我的一些经验以及我在按快门时在想些什么？关于如何拍摄舞台剧照，在这里并不是教大家去看演出时如何拍照，尊重演出依然是最重要的。这篇文章更适合以下三类朋友：
爱好级：如果你是一个摄影爱好者，有机会去给非正式演出（年会、Fashion Show、校园剧社等）拍照。
入门级：如果你是一个职业摄影师，有机会去拍正式的剧场演出，但缺乏剧场经验。
进阶纪：如果你就是一个舞台摄影师，想要进阶。
在讲具体方法事前，我们首先需要明确的是：什么样的照片是一张不错的舞台剧照？
舞台剧照作为一类特殊的拍摄作品，其用途主要有二：
纪录与宣传这部戏。以演出整体为单位展示出来，所以更注重整体的戏剧氛围。除非是演出里有名角儿，一般是不需要大头照的。大头照或人物细节照有专门的流程拍，通常是在演出前摆拍，叫定妆照。
作为演出资料。给舞美设计、灯光设计等业内人士使用，需要把整个舞台的空间与设计拍摄出来。
然后，是具体方法：
一、爱好级
以下长图是之前运营孟京辉工作室微博时写的科普文，那时我还年纪小，设计风格很少女，基本理论还是可以先看看的。
总结下来，关键点有这样几个：总结下来，关键点有这样几个：
器材不够，技术来补。很多人一听到要拍舞台剧照，第一反应就是器材，觉得剧场昏暗，必须有个 IOS 2000 + 画质依然清晰的器材不可。弥补器材缺陷，几个必备技能是必不可少的：
平时多练习「慢快门不糊技术」。从 1/40 s 开始练习，一直练到 1/6 s。再往上就很难了，但 1/6 s 还是有希望得到一张适用于传图片?2000?还效果不错的照片。秘籍是：屏气凝神——深吸一口气后，再通过取景框构图、对焦，直到按下快门后，才吐气。不用着急，慢慢对焦，如果这口气里始终调整不好，建议换口气重新来。这样练习，也能帮助改掉按快门太随意的毛病。
追随摄影技术。既：顺着目标的运动方向，平稳地移动相机，使目标与取景框的运动相对静止，并在移动中按下快门。
这是一张舞蹈剧《怪谈》的剧照。从截图的数据里可以看出，快门速度为 1/60。由于这是舞蹈剧，演员始终在运动，要想直接靠按快门拍清楚，起码得 1/600 以上的速度。但我的相机真的很差，IOS 400 噪点就很明显了，且当时光线确实不够。于是我的方法是，镜头跟着演员一起动，不停把焦点对在演员眼睛上，移动中构图，选择合适时机按下快门。在拍移动中人物的时候，非常建议采用这个方法，同时可以让背景特殊虚化，更突显人物。这是一张舞蹈剧《怪谈》的剧照。从截图的数据里可以看出，快门速度为 1/60。由于这是舞蹈剧，演员始终在运动，要想直接靠按快门拍清楚，起码得 1/600 以上的速度。但我的相机真的很差，IOS 400 噪点就很明显了，且当时光线确实不够。于是我的方法是，镜头跟着演员一起动，不停把焦点对在演员眼睛上，移动中构图，选择合适时机按下快门。在拍移动中人物的时候，非常建议采用这个方法，同时可以让背景特殊虚化，更突显人物。
发挥想象，后期特殊效果。还是拿上面那张图为例，虽然用了追随摄影技术，但画面还是很模糊。原因是，这是一部描述梦境的作品，整部戏的气质都特别迷离。女演员黄湘丽此时的角色是一个 30 年代的上海年轻女性。IOS 400 让我获得了很多噪点，后期时我将计就计，又增添了一些噪点，使画面更怀旧，并对背景在 PS 里进行了径向模糊处理，看上去就更迷幻了。拍摄者根据演出情景进行二度创作，是值得鼓励的，单靠抓拍是很难获得令人满意的剧照的。除了技术问题，表达方式单一也是原因之一。就像舞蹈演员不可能自始至终只表演一个动作，绘画者通常也不会只用一支笔完成作品。个人认为，不管前期还是后期，都看做是拍摄的一部分，得到的作品才会更加完整。
2、请用内存大的卡。舞台上光线变化大，很容易测光不准。为了增大快门速度而减曝，且减很多，也是常事。这对后期的要求就会高一些，建议从头至尾都使用 RAW 格式。
3、切忌不要使用闪光灯。
除了打搅别的观众外：
闪光灯破坏舞台灯光设计，让剧照看上去平庸。
闪光灯影响整个演出。
@Phil 在 在舞台上表演时被闪光灯闪了是一种怎样的体验？ - 戏剧 里写：
闪光灯对于演员来说，就像夜晚开车，迎面而来的远光灯。
小提琴手的 @蘇二毛 说：
我尼玛恨透了闪光灯！！！ 抬头看指挥尼玛一溜闪光灯！！！ 快把老子闪瞎了低头看谱子找不着音了泥煤的！ 还是凭记忆往下继续的！关于剧场为什么不能使用闪光灯，具体可参考：
去剧场观剧应该注意哪些基本礼仪? - SysyCode 的回答
4、最佳拍摄时间
对于爱好者来说，抓住一点，就能拍出相对满意的剧照：
不要在人唱歌、说话的时候拍照，表情之狰狞让人无法直视，也很难和整体氛围契合。最好的时机是演员结束一句台词后的一刹那，情绪还完美的保留在脸上，且不会龇牙咧嘴。
5、利用特殊光线
舞台灯光比自然光、棚拍布光更有戏剧性，对比强烈。浓烈的大逆光，也是不错的选择。
图为灯光师正在调光，想看逆光效果。图为灯光师正在调光，想看逆光效果。
二、入门级
攻克了基础技术关，接下来更多需要掌握的是剧场常识，来帮助摄影。
1、每一个演出都有不同的表达气质，先学会欣赏，让自己跟着戏一起律动，拍出来的剧照会特别带感。久而久之，大部分时间你都会下意识的觉得「这里并不需要按快门。」可参考：如何欣赏戏剧? - SysyCode 的回答
2、针对不同演出种类，了解必要的演出常识。演出不仅仅是话剧，还有交响乐、芭蕾等等。以芭蕾为例，我们总希望拍到一张跳得高又特别舒展的姿态，靠连拍，是不可取的。事实证明，不论快门速度多快，并不能增大拍到最佳时机的概率。对于拍摄者来说，需要了解一些芭蕾的基本动作，比如大跳是怎么回事，起步点是什么样子的，最高点是什么样子的，可以找视频来看看。把你认为最美的瞬间记下来，并通过多次观察熟悉舞步的韵律，到了现场，再采用跟拍技术，镜头随舞者一起运动，在最美瞬间咔嚓一下，八九不离十，这张照片会很赞。
这里介绍几个特别适合拍照的瞬间：
首席小提琴手即将落弓的瞬间：首先，首席就是首席，果真和其他人不太一样，要想拍特写，拍他就好了。落弓的瞬间，是指，正要开始拉，即将发声的瞬间。高手在拉琴前，那情绪酝酿不是点吧点，姿势之浮夸，说在运功都不为过。气憋足了，情绪饱满了，那一口气下去音色着实很享受。但表情就开始狰狞了，皱眉头的皱眉头，吐舌头的吐舌头，乱张嘴的乱张嘴。所以，抢在这之前的一瞬间，是最好的。
有旋转动作的舞蹈：推荐 @赵托?2000? 的照片。个人认为，很多时候，并不是拍得清晰可见才好看。
芭蕾的经典造型：拍之前最好对每一个角色进行了解，出场时间也了解一下。如果是经典剧目，如《天鹅湖》，音乐找来听听也是大有好处，帮助掌握拍摄节奏。
戏剧：不同戏剧都不一样。最好是提前对导演风格有个了解，能了解到带惊喜感的舞台装置和设计最好。光线太暗的时候，建议不要白费功夫。
三、进阶级
我有一个梦想，希望请来的剧场摄影师都读过剧本、一起开过创作会议，看过排练细节，看过完整连排。本身是戏剧出生，既懂舞美还懂灯光，那就完美了。
以下照片是参加 2015 年台湾两岸小剧场戏剧节我用手机拍的剧照，当时主办方也邀请了摄影师，最后还是用的我的手机图。
这部戏叫《郑和的后代》，导演是马俊丰。从 2009 年到现在已经演了 5 轮了。大一时，我是这部戏的导演助理，后来是制作人。对这部戏的了解程度可达到台词几乎能背，音效、灯光、舞美变化的时间点了如指掌（因为当过舞台监督，会特别注意这些时间点，我们叫 Q 点）。以这样的角色来拍剧照，是一种怎样的体验？
最美的画面，我都记在脑海里了。要拍什么内容，一开始就很清晰。关于时机的把控，我只需要静静的等待。不会像个没头苍蝇一样，整个过程永远不知道下一秒会发生什么，噼里啪啦狂按快门。思考的内容也会远远大于「曝光、构图」这些最基础的东西。那么，怎样才是最美的画面？
导演在创作的时候，会有充分的视觉考虑。也就是说，在他的心里，是有「主视觉」这个概念的。马俊丰导演是个特别有意思的导演，走得也非常国际范儿，排练的时候喜欢通过情景的描述激发演员想象力，共同去寻找最精准的表达方式。创作过程，不停在律动，直到最完美的造型出现的那一刹那，「停，别动。哇，太美了。你们再保持一会儿。」
除此之外，这不仅仅是导演的「筛选」，是一群人共处一室好几个月，对身边每一个人的熟悉，对环境的适应，对排练节奏的了解，通过默契，最终展现出来的最有 power 的表达方式。在正式演出的时候，配合着灯光、舞美拍下这个瞬间，不论视觉还是内容表达上，都会非常贴切。
《郑和的后代》2015 台湾两岸小剧场戏剧节剧照。《郑和的后代》2015 台湾两岸小剧场戏剧节剧照。
这是一部小剧场戏剧作品，世界各地的小剧场长相都不太一样。这部戏的特点是，导演会根据每一个剧场的特征做出不同的安排。比如这个剧场，坐落于台北 101 附近的一个文创园区，是老工厂改建的。室内是工厂车间的大开间样貌，室外是一片百年榕树林，特别漂亮。按理来说，小剧场演出都会遮得密不透光，黑乎乎一个大暗房，毕竟英文名就叫「Black Box」。但外面的榕树真的太漂亮了，导演说「把窗帘拉开我们试试。」于是有了这张剧照。
《郑和的后代》，这部戏的名字就很有意思，郑和不是太监吗，为什么会有后代呢？这得从作品的作者说起。作者郭宝崑先生是新加坡戏剧之父，华人。一生漂泊在外，无法回到自己的家乡。他认为，他是一个「失根」的人。纵使在戏剧上的成就赫赫有名，然而，漂泊，才是他毕生的主题。就像明朝太监大将军郑和一样。本来姓马，却被赐予了姓郑；本来信奉真主阿拉，却皈依了汉人的信仰。没了姓，没了信仰，还没了性。纵使战功赫赫，然而「我是谁」。
故事以郑和下西洋为主线，不停地漂泊他乡。不论是仙境般的世外桃源，还是人人平等的理想国度，阉人，似乎是世界各地都有的习俗。这让郑和倍感绝望。当人们关注他赫赫战绩的时候，他在关注什么呢，他的根在哪里呢？
「漂泊是我的家园，出发是我的还乡。」（台词）
在文学造诣上已经登峰造极的作者，却屡遭迫害。在他获得最高戏剧成就奖的时候，他人却在他乡的监狱。荣耀、光环、牢房、异乡。作者又在思考什么呢？
这是一部让人联想很多且颇为沉重的戏剧，每个人有那么一瞬间会思考「为什么我会在我现在的地方？」「我的根在哪里？」
这部戏，从来没在大陆商演过，里面有很多隐喻，报批是个大难题。为了生计，我们也演过不少很二的大俗剧。但这部《郑和的后代》，只要能有演出的机会，不管发不发钱，大家紧紧凑凑还是希望能演上的。我们希望把好的戏剧传播出去，可惜的是，最热烈的掌声漂泊到了台湾。和郑和这个角色一样，充满了讽刺意味。窗外的大榕树在风中摇曳，沙沙作响，多少有些辽远的忧伤。在这里，导演给出了非常聪明调整。
从教学资料层面讲，这张剧照达到了目的。
导演让演员在聚光灯下调整肢体。导演让演员在聚光灯下调整肢体。
小太监们在看另一个小太监讲丁丁的故事。戏里说：「北京的故宫，一共有九百九十九个房间，大大小小不多不少，正好九百九十九个房间。在这九百九十九个房间里，有一个特别古怪。」这个特别古怪的房间，就是专门陈列太监丁丁的。根据不同的级别挂起来，厉害的太监丁丁，被高高挂在空中，最次的小太监，丁丁紧贴地面。小太监们在看另一个小太监讲丁丁的故事。戏里说：「北京的故宫，一共有九百九十九个房间，大大小小不多不少，正好九百九十九个房间。在这九百九十九个房间里，有一个特别古怪。」这个特别古怪的房间，就是专门陈列太监丁丁的。根据不同的级别挂起来，厉害的太监丁丁，被高高挂在空中，最次的小太监，丁丁紧贴地面。
讲故事的小太监活泼乱动，难拍，拍出来也不知道他在干嘛。但换做去拍听故事的小太监，就会更有意思些。咦，他们在看什么呀？
被访王国欢送郑和的舰队离开。光线非常诡异，我专门跑到侧面去拍的，这个角度让阴影更加诡异。对于郑和来说，别人是欢送，那他真的开心吗？被访王国欢送郑和的舰队离开。光线非常诡异，我专门跑到侧面去拍的，这个角度让阴影更加诡异。对于郑和来说，别人是欢送，那他真的开心吗？
漂泊是我的家园，出发是我的还乡。
永远的离别到站，永远的迎送聚散。
现在来解释下这些奇怪的画。关于郑和下西洋的具体时间和地点，剧本中 7 句话就说完了。导演想了这么一个装置，让演员轮番念这些信息，边念边在里面画，光透出来，效果特别好。之所以说马俊丰导演很国际范儿，就在于他很善于通过各种方式来表达，哪怕是非常平白的「XXXX 年，郑和第 N 次下西洋，去了 XXX、XXX、XXX 地方。」而国内大多导演，实在太依赖文字本身的信息传达了，吧啦吧啦念台词就完事了。现在来解释下这些奇怪的画。关于郑和下西洋的具体时间和地点，剧本中 7 句话就说完了。导演想了这么一个装置，让演员轮番念这些信息，边念边在里面画，光透出来，效果特别好。之所以说马俊丰导演很国际范儿，就在于他很善于通过各种方式来表达，哪怕是非常平白的「XXXX 年，郑和第 N 次下西洋，去了 XXX、XXX、XXX 地方。」而国内大多导演，实在太依赖文字本身的信息传达了，吧啦吧啦念台词就完事了。
这种时候，把导演的精巧设计拍出来是最关键的。外面的人脸是否清楚并不重要。
演员在装置里画画。演员在装置里画画。
导演训话，「你们画的这是什么，太丑啦。」剧场里的光，总是很有意思。聚光与剪影的搭配是个不错的选择，特意挑了导演的侧面，更有轮廓感。导演训话，「你们画的这是什么，太丑啦。」剧场里的光，总是很有意思。聚光与剪影的搭配是个不错的选择，特意挑了导演的侧面，更有轮廓感。
关于这部戏的拍摄，绝大多数时候，都是基于我对这部戏充分了解之上的。个人认为，
舞台剧照摄影师，不应该只是彩排时请来的外聘人员。也应该是自始至终伴随作品创作的重要角色。作为一个摄影师，也可以通过自己的方式把一部戏的内容传播出去。
以上，是我的一些经验之谈。如果有机会拍拍舞台剧照，其实也是一个非常不错的体验，可以从更丰富的视觉去理解演出。希望你读后，拍得开心。
(本文来源：知乎每日精选
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